M+博物館《神話與怪獸》特展 專訪策展譚雪凝 走進亞洲奇幻美學200年
在AI與數據主導的時代，你們還相信民間傳說與動漫裡的怪獸嗎？西九文化區M+博物館近日推出全新展覽《神話與怪獸：亞洲的奇幻異境》，大膽打破藝術邊界，將日本江戶時代的浮世繪、手塚治虫的動漫原稿，以及當代的AI藝術並置於同一空間。展覽背後的兩位推手——M+流動影像策展人貝若蘭(Ulanda Blair)，與M+視覺藝術策展人譚雪凝(Isabella Tam)，將帶領我們揭開這場橫跨200年亞洲奇幻美學的神秘面紗。撰文：Jeff Szeto 攝影：林俊源(部份圖片有M+博物館提供)
《神話與怪獸》是M+首個系統性梳理亞洲近200年「奇幻美學」的大型特展，問到為何會以此作題材，Isabella說：「展覽希望以奇幻作為主題，探討亞洲奇幻文化，對全球的影響，並突破地域、世代及不同文化範疇的界限。」她指奇幻不只限於動畫或漫畫，還涵蓋視覺藝術、建築、時尚、設計、遊戲機及數碼文化，「M+作為視覺文化博物館，希望透過展覽，把亞洲奇幻文化裡的視覺藝術、設計、數碼文化，以及電玩遊戲等不同媒介的脈絡連繫起來，而非各自梳理。」
用怪獸直面內心恐懼
走進展廳，迎面而來的是一幅高達10米、氣勢磅礴的巨大壁畫——《恐懼捕手》，這是香港藝術家陳翊朗特別為展覽創作的開幕作品，「我們希望用一個香港人最熟悉的記憶作為引子，」Isabella指向壁畫中那些細膩又帶著詭譎的線條，「作品靈感來自於『鍾馗捉鬼』的故事。但有趣的是，藝術家在這裡並不是要去歌頌英雄，而是透過描繪那些千奇百怪、無處不在的『小鬼』，來梳理他自己內心的恐懼、焦慮與夢魘。」她解釋道，這正是整個展覽的核心命題，神話與妖怪的故事，從來都不是小孩子的床邊童話，而是人類社會的一面鏡子，「在日常生活中，有很多政治、社會或歷史創傷等敏感議題，往往因為太過沉重而難以直視。但當這些議題被包裝成神話、化身為怪獸時，就變成一種生動且具包容性的語言，引導觀眾放下防備，帶著全新的想像力，去重新理解我們自以為熟悉的世界。」
游說動漫大師工作室借展品
展覽最讓人驚喜，莫過於大量珍貴漫畫與動畫原稿。然而要把這些散落於各大漫畫工作室、視若珍寶的文化遺產匯聚到M+，策展團隊在背後付出了超乎想像的努力，Isabella苦笑，「最困難的部份，是遊說不同漫畫工作室借出原稿。在傳統的藝術界，大型博物館很少會把當代藝術、大眾動漫、裝置藝術與古典視覺媒介，完全平起平坐地並置在一起展出。對許多動漫工作室來說，這是非常大膽且少見的嘗試。」她指在籌辦展覽前期，要花費大量時間與心血，去向這些工作室解釋，展覽的學術論述與文化高度，證明是一場探討奇幻美學的嚴肅策展。
除了前期的聯絡籌備，這些動漫手稿的後期保護，對策展團隊來說更是惡夢，「很多原稿是用當年的原子筆、彩色墨水和舊紙張繪製。」Isabella語氣中帶著一絲謹慎，「展品物料非常脆弱，只要在展場的燈光下暴露時間稍長，顏色就會逐漸消失、褪色。為了保護這些無價寶，我們在展場的燈光控制、溫度濕度調節上，做了近乎苛刻的測試，並向各大工作室提出極為嚴格的修復與保護承諾，才令工作室願意借出展品。」
手塚治虫的上海緣分
在展覽的第三章節中，策展團隊為觀眾準備一個意想不到的文化彩蛋，就是動漫之神手塚治虫，與中國第一代動畫人的文化淵源，Isabella興奮地說：「在做策展研究時，我們發現一段非常動人的歷史故事。」1941年，中國誕生亞洲第一部萬氏兄弟導演的長篇黑白動畫《鐵扇公主》。當時還是少年的手塚治虫，在上海看完這部作品後，內心受到了極大震撼，這顆種子啟發他後來創作自己版本的《西遊記》，「手塚治虫對萬氏兄弟的崇拜是真摯的。他成名後，甚至親身飛往上海，只為與萬氏兄弟見上一面，握一握那雙創造了亞洲動畫歷史的手。」
為了呈現這段跨越地域的文化交流，M+ 特意向手塚工作室(Tezuka Productions)借出《我的孫悟空》及《西遊記》的珍貴相關手稿與storyboard，以及最初的角色設計圖，「當看到這些微微泛黃的紙張上，那些充滿活力的鉛筆線條時，觀眾真的能感受到那代藝術家之間，那種超越地域與政治藩籬的文化共鳴。」
從黑暗皮影戲到多元宇宙
為了讓觀眾能夠浸潤在「奇幻」的氛圍中，M+團隊在展場的空間與鋪排上，設計了一場起伏有致的時空旅程。「第一章：人神鬼妖：十九世紀的奇幻異境」旅程由陳翊朗的壁畫開啟，觀眾會被引入一個刻意壓低光線、充滿神秘感的黑暗房間。這裡展出十九世紀的傳統皮影戲與藏傳佛教唐卡，「我們想讓觀眾體驗到，在電影和電視發明之前，人類最初是如何透過微弱的光影，去體驗超自然與奇幻影像。」Isabella解釋。「第二章：超現實主義與亞洲」穿過黑暗，視覺豁然開朗，這裡有薩爾瓦多達利(Salvador Dalí)、妮娜薩吉爾(Nena Saguil)、金永煥(Kim Younghwan)等超現實主義大師的畫作，展廳亦打造得如同漂浮在雲端般的夢幻，探討藝術家如何用非理性的視覺語言，在現實與虛幻之間架起橋樑。
「第三章：從《哥斯拉》到《攻殼機動隊》：當奇幻遇上流行文化」空間轉為緊湊且具現代感，聚焦於二十世紀戰後，動畫與漫畫在亞洲的爆炸性興起，以及它們如何反向輸出、影響全球的流行文化。「第四章：新世代神話：走向全球的亞洲奇幻」這是展覽最後一個章節，空間不再有單一的導向，而是全面開放。觀眾可以自由選擇自己的觀看路徑，就像漫遊在二十一世紀數位與虛擬的奇幻美學宇宙中。她補充道：「整個展覽在視覺上是有嚴密邏輯。我們以陳翊朗描繪的本土鍾馗捉鬼《恐懼捕手》作為起點，最後以日本當代藝術大師村上隆(Takashi Murakami)著名的四個東方保護神獸青龍、白虎、朱雀、玄武作結。一頭一尾，形成一個完美的文化首尾呼應。」
亞洲藝術家用「超現實」訴說社會現實
提到「夢境」與「超現實主義」，觀眾第一時間會聯想到西方大師Salvador Dalí或René Magritte。但這次展覽，卻清晰地勾勒出亞洲藝術家截然不同的精神內核。「這是我們非常想為觀眾釐清的一點。」Isabella分析，西方的超現實主義，大多受到佛洛伊德心理學的影響，藝術家的夢境與非理性語言，多用於探索個人慾望與潛意識，或是對自身精神狀態的私密回應。「亞洲藝術家不同。他們雖然也有運用極其夢幻、荒誕的視覺語言，但他們的創作狀態，是極其清醒且有意識的。他們不是在表達被動的潛意識，而是借用『夢境』的保護色，去講述極其殘酷、真實的社會現實。」
展覽中展出的泰國藝術家布萊德汪艾姆傑奧林(Pratuang Emjaroen)作品，畫面雖然充斥著超現實的圖騰，但裡面卻巧妙地揉合了當地的佛教符號、僧侶意象，以及對政治和諧的渴望，Isabella說，「亞洲藝術家在二十世紀受到西方藝術浪潮的啟發，但他們迅速將其內化，並融入自身的宗教文化與歷史土壤，走出一條獨特、充滿社會關懷的亞洲敘事脈絡。」
給所有人的故事書
對於一些不熟悉當代藝術，或者不常看動漫的展覽觀眾，《神話與怪獸》會帶來怎樣的暫新體驗，Isabella指，「我們設計展覽時，刻意避開『動漫展』或『美術史展』的框架，而是以『奇幻美學』作為容器。我們想探討的，是人類從古至今，如何利用『奇幻』作為一種說故事的手段。」她補充說：「展覽裡出現的每一個怪獸、每一段神話，其實都與我們的日常生活、或者我們從小耳濡目染的文化(如《西遊記》、民間傳說)息息相關。它們只是在不同的時代，選擇了浮世繪、視覺藝術、裝置、動畫或漫畫等不同載體呈現。」她稱參觀展覽時觀眾不需具備任何高深藝術背景，只需帶著自己既有的童年記憶或生活經驗進場，讓眼睛去感受。
人類的想像力AI不能取代
展覽最後一章，轉向對未來的反思，策展團隊特意觸及當下最熱門的科技焦慮，以及AI生成藝術與虛擬化浪潮。對於AI會否像展覽中的怪獸，最終反噬人類的創造力時，她稱，「AI會否變成不受控制的怪獸，主導權從來都不在機器，而是人類如何去規範和使用它。」她指科技道德問題，確實是我們這一代人需要迫切關注，「希望透過這個展覽，讓大眾去發掘『AI』與『人』之間那條無法逾越的界線。」
Isabella認為AI只是一台機器，不論生成的畫面多麼絢麗，本質上依然受制於演算法、數據庫與概率的計算，那種圖像看久了，會有一種整齊劃一缺乏人性的冰冷感，「人類的想像力不同，人類創作是與真實情感與記憶緊密連結的。」訪談尾聲總結時，「AI 是一面鏡子，是好是壞，取決於我們如何運用它，更取決於我們是否依然珍視、並願意去捍衛人類自身那份無邏輯可循、充滿奇蹟的奇幻與想像能力。」當觀眾欣賞完畢，看過去數百年來人類為怪獸注入的靈魂，就會明白，唯有人類，才能將十九世紀的皮影戲、浮世繪，跨越時空連結到二十一世紀的數碼世界。
